新・よろ川長TOMのオススメ座CINEMA

《お知らせ》すべての記事が移転しました

よろ川長TOM — 2010-03-02T23:58:18+09:00

　＊引っ越し先とまぎらわしいので、こちらは背景色をグレーにしました。

　いつもご来訪、ありがとうございます。
　いろいろありましたが、最新記事のコメント・トラックバックを含め、
　
　すべての記事は移転を完了しました。
　
　お手数おかけしますが、こちらからココログ版『新・よろ川長TOMのオススメ座CINEMA』へお越しください。

　新ブログのU.R.L.はhttp://yologawa.cocolog-nifty.com/osucine/です。

　旧来の記事も含めた全92記事の五十音索引も完成しました。
　▼『続きを読む〜〜』をクリックしていただければ、そちらへリンクした一覧索引も展開します。
　
　

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　では、約束の地───ココログ版『新・よろ川長TOMのオススメ座CINEMA』お逢いしましょうね。

＊リンク切れ・画像迷子を発見された方はコメント欄にご一報ください。

【あ行】

『あさっての方向。』ふたりの女性の成長を描いたある夏の日の美しき詩。
『あなただけ今晩は』人生は少し哀しいからこそ可笑しい。
『アパートの鍵貸します』男の優しさってなんやろか
『雨に唄えば』これを知らずにミュージカルを語るなかれ。
『アメリカン・ギャングスター』ほんとうに悪いのは誰だ。
『ARIA』読む・観る・浸れるリラクゼーション、ハケーン。
『アンドリューNDR114』邦題はまずいが中身は秀逸
『いつも二人で』オードリーの素敵な愛のロードムービー。
『インディ・ジョーンズ/クリスタル・スカルの王国』やった。やってくれました！
『インビジブル2』パート1より断然面白い！傑作空想科学スリラー。
『WALL・E／ウォーリー』21世紀のチャップリンは鋼鉄の箱形ロボット。
『ウォレスとグルミット野菜畑で大ピンチ！』震えが止まらない！こんな恐ろしい話だったとは。
『宇宙水爆戦』レトロな未来。古典SFから何を見出せるか？
『宇宙戦争』スピルバーグが創るリアルな怪獣映画！
『X-MEN3ファイナルディシジョン』よくできたシリーズ。必ず三作通して観るべし！
『エリザベス：ゴールデン・エイジ』歴史劇にあらず、女王という立場の女性の物語。
緒形拳。執念の男を数々演じきった名優、逝く。
『おしゃれ泥棒』必見！何度観ても楽しめる小粋な傑作コメディ。
『王の男』明日なき旅芸人の一世一代の賭けが宮廷を揺るがす!!

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【か行】

『カーテンコール』平々凡々に淡々と生きてゆく。でもそこに劇的な感動がある。
『カールじいさんの空飛ぶ家』鑑賞前ver.／夢の映像化はリアリズムから
『カールじいさんの空飛ぶ家』鑑賞後用ver.／実はすごく意味深
『ガタカ』SFとはこういう映画をいいます。
『かみちゅ！』ステキな物語に柏手うちましょ、パン、パン！
『かみちゅ！』なんかすんごいアニメ始まる。
『CUBE三部作』＆『SAW・SAW2』痛いもの見たさの5作品！
『キングコング』見応えたっぷり、ついに登場した決定版！
『キングダム・オブ・ヘブン』壮大で強烈な戦争への皮肉。
『暗くなるまで待って』萌える密室サスペンス!!
『クラッシュ』運命を横糸に、人生を縦糸に紡ぐ傑作群像劇。
『グラン・トリノ』ガン・スター、イーストウッドの目線の先にあるもの。
『クリスマスキャロル』これほどの傑作、名作。今こそ再放映を！
『ゲド戦記』若き指揮者と熟練のオーケストラが紡ぎ出す新たなハーモニー。
『コンスタンティン』人間にとって聖とは？魔とは？

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【さ行】

『最高の人生の見つけ方』残された人生について、少し語ろう。
『THE PROMISE-無極-』韓中日スター集結のスペクタクル寓話。
『サロゲート』SFとしてはユルいがエンタメとしては良い出来。
『Gガール‐破壊的な彼女‐』あの命題に迫る!?画期的スーパーマンムービー!!
『七人の侍』この前に時代劇なく、このあとに時代劇なし。
『情婦』ディートリッヒの大女優伝説を改めて確認
『親切なクムジャさん』これぞ女優イ・ヨンエの実力開花！
『シンデレラマン』生きてゆくことは戦い。タイトルからは想像できない傑作
『世界最速のインディアン』生きるとは夢に生命を燃やす事。
『世界で一番パパが好き！』本当に上手い子役は演技してない。
『スーパーマン・リターンズ』疲れ果てて戻ったヒーローに見いだすもの。
『酔画仙（すいがせん）』求道に生き、殉じた画家の生涯。
『スウィーニー・トッド』血の罪は、血でないとあがなえないのか。
『スター・トレック』監督に完全にダマされた！
『ステルス』B級アクション映画ならではの楽しみ方を！
『素晴らしきヒコーキ野郎』さあ腕をワキワキ動かして空を飛ぼう！
『スラムドッグ＄ミリオネア』そら、これはアカデミー賞獲りますわね
『CUBE三部作』＆『SAW・SAW2』痛いもの見たさの5作品！
『007カジノ・ロワイヤル』シビれた！これぞボンドの原点復帰!!
『007/慰めの報酬』哀愁のボンド、Dクレイグが魅せる！
『ザ・インタープリター』静かな静かな、そして深いサスペンス。

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【た行】

『ダークナイト』バットマン背水の陣の凄味。
『大統領の理髪師』韓国の年代記にして心に沁みる人情劇。
『007カジノ・ロワイヤル』シビれた！これぞボンドの原点復帰!!
『007/慰めの報酬』哀愁のボンド、Dクレイグが魅せる！
『団塊ボーイズ（ワイルド・ホッグス）』愛すべきオッサンたちのロードムービー。
『父と暮らせば』戦争の傷痕から学ぶべき事。
『チャーリーとチョコレート工場』観ないと絶対ソンする！家族愛の参考書。
『チャールトン・ヘストン』人類4300年の歴史を生きた俳優
『椿三十郎』黒澤・三船版これこそが痛快娯楽映画！必見の大傑作!!
『デイ・ウォッチ／Day Watch(Дневной дозор)』こんな物凄いこの世の終末は観たことがない。
『ディパーテッド』超ヒット作の聖林リメイクという不利な条件だが良い出来
『テラビシアにかける橋』信じる者の前にのみ、その扉は開く。
『電脳コイル』少年ドラマシリーズの再臨！こんなSFを待っていた！
『ドラゴン・キングダム』観たら絶対強くなれる!?カンフー・ファンタジー登場！
『トランスポーター2』男は黙って約束を守り通す。うう、カッコエエ!!

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【な行】

『日曜洋画劇場40周年記念淀川長治の名画解説』映画ファンのバイブル！
『ネクスト─NEXT─』2分だけの未来に世界の命運が。ニコラス・ケイジのSF仕立て痛快サスペンス！

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【は行】

『バーン・アフター・リーディング』天動説型人間たちの不幸な交錯。
『バットマン・ビギンズ』シリーズ中、最高に面白いバットマン！
『パンズ・ラビリンス』本来童話とは現実の残酷さを教えるもの
『ビルマの竪琴』失われる命と弔う心。
『誇り高き戦場』知って欲しいのはラルフ・ネルソン監督。
『フィクサー』男の演技が光る！ラストシーンのクルーニーに注目!!
『フェイクシティ』やっと役者・キアヌが戻ってきた！
『武士の一分』サラリーマンでもプライドはある。
『FLYBOYS（フライボーイズ）』期待作公開決定！画面狭しと飛び回る本物のWW1ドッグファイト。
『フライボーイズ（Flyboys）』何かを求めて異国の空に戦いを挑んだ若者たちの未来は…？

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【ま行】

『M★A★S★H マッシュ』一見ブラックコメディ、しかし根底に流れるものは痛烈な戦争批判。
『Mr.＆Mrs.スミス』文句なく面白い!! アクションコメディの決定版。
『ミスタア・ロバーツ』笑って、ホロリとして。小粋な戦争コメディ！
『蟲師（むしし）』観なかったことを必ず後悔する作品！
『もしも昨日が選べたら』超オススメ！リモコンひとつで泣いて笑えるファンタジー!!
『モンスターvsエイリアン』瞬間芸のバルカン砲!!

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【や行】

『U・ボート』戦争映画で伝えられること、伝えねばならないこと。
『妖怪大戦争』痛快、映画で楽しむお化け屋敷！

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【ら行】

『レッド・サン』渋い！痛快！個性派三人の激突。
『ロボッツ』これぞハリウッドならではのアニメ！
『レジェンド・オブ・ゾロ』あのゾロが帰ってきた!!

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【わ行】
『団塊ボーイズ（ワイルド・ホッグス）』愛すべきオッサンたちのロードムービー。

『チャールトン・ヘストン』人類4300年の歴史を生きた俳優

よろ川長TOM — 2010-03-02T01:36:56+09:00

　はい、皆さんこんばんわ。
　チャールトン・ヘストン。ハリウッド黄金期を飾る大俳優のひとり───というより、私にとってはとにかく声優・納谷悟朗さんが演じる俳優、という印象が強い。
　2008年4月5日に84歳の長生きで他界しましたが、その5年前にアルツハイマー病にかかっていることを公表されてからは表舞台からは遠ざかっていたとか。
　晩年は全米ライフル協会の会長とかでなにかとキナ臭い存在だった人ですが、現役当時彼ほど大スクリーンの似合う俳優はいませんでした。大も大、シネラマやシネマスコープは彼の主演映画ために開発されたといっても過言ではない。
　といっても、私も彼の作品を映画館で観たことはないに等しいのです。たいてい、テレビの洋画劇場でした。そう、尊敬する淀川先生の、とかね。

　そんな彼の大代表作、『ベン・ハー』が3月4日20時からにBS2で放送されます。
　さあ、今夜はちょこっと想い出話をさせてくださいね。え？お前の話は長い、ちょこっとなんてウソだろうって？あはは、バレましたか。
　まあまあ、そんなこと云わずにお付き合いくださいな。面白いですから。

　さて、その出演作は西部劇からSFに至るまで、実に多岐に及んでいます。だけど何がすごいと言って、実在、架空とりまぜて彼ほど地球の歴史を長く旅し、また大人物を演じた俳優はこれまでも、またこれからもまず出ないだろうということ。
　実在・架空ごちゃまぜで時代順に列挙してみますと───

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　まず最初はなんといっても神様とトイ面で会話した『十戒』のモーゼ。このお話が紀元前約1300年前のエジプトあたりのこと。えらい老け役まで演じてますが、実は当時まだ32歳。たいしたもんです。共演のユル・ブリンナーはファラオ、ラムセス二世を演じ、配役としても歴史的にも超豪華な顔合わせでした。
　
　次に古いのは古代ローマ帝国が舞台の『ジュリアス・シーザー』のシーザー。この人が紀元前100年頃。同時代というか続編的な『アントニーとクレオパトラ』では監督までやってるんですね。そっちは残念ながら出来の良い作品とは言い難いし、これに懲りたのかその後は俳優業に徹しています。

　紀元を迎えてからは『偉大な生涯の物語』でパプテスマのヨハネ。かの黙示録の著者であり、キリストの一番弟子…でしたっけか。
　同じ頃のお話がかの名作『ベン・ハー』のジューダ・ベン・ハー（この記事トップの写真）。なんたってキリストが無名だった布教時代の出逢いからゴルゴダの丘での最後、そしてその復活まで立ち会ってますから話としても壮大です。

　次に『エル・シド』。エル・シド、本名ロドリーゴ・ディアス・デ・ビバールは11世紀に実在したカスティーリャ王国（今のスペインの中核）の伝説的英雄です。義侠心と忠誠心の権化みたいな武将で、頼りなくて猜疑心の強いアホ（スペイン語でニンニクのことではなく）な王様を最後まで助けた修行僧というか日本の古武士のような人として描かれています。
　共演としてソフィア・ローレンが妻を演じてましたね。余談ですが彼女はスペインが舞台の二大大作映画である『ラ・マンチャの男』でアルドンサ＝ダルシネア姫を演じています。
　これも余談ですが日本アニメーションの社長本橋浩一氏は若かりし頃この作品に惚れ込んで、彼の少年時代の物語（それがテレビ東京系で放映された『リトル・エル・シドの冒険』）を作りたくてアニメーション会社を始めたという話も聞いたことがあります。

　次にアレクサンドル・デュマの傑作活劇『三銃士』『四銃士』での悪の頭目リシュリュー枢機卿。お話はフィクションですが、この人は17世紀、ルイ13世時代のフランスに実在したかなり凄腕の政治家だったそうです。
　少し下って15世紀ではミケランジェロの生涯を描いた『華麗なる激情』。

　そして19世紀、アメリカは西部開拓時代を描いたウエスタンの代表作『大いなる西部』、実在の人物を描いた南北戦争時代の『ダンディー少佐』、20世紀初頭の西部を描いた『大いなる決闘』と義和団事変を描いた『北京の55日』。
　あと、『ウィル・ペニー』（内容は後述）という風変わりなウエスタンもありました。

　40年下って、太平洋戦争ではミッドウェイ海戦を描いたずばり『ミッドウェイ』では艦上爆撃機のパイロットを。
　平和な時代になってからは『エアポート'75』、つまり1975年ですね。
　あのね、今では当たり前になったサラウンド音響設備、この『ミッドウェイ』が日本で最初の作品なんですよ。まだ4チャンネルで、当時はセンサラウンドって呼び名。
　今と違って爆音とかの重低音を強調するのが主な使い方で、轟音シーンだけ不自然にいきなりドドドド、って下っ腹に効く超低周波が館内に響くんですね。ところが劇場は私がよく行ってた大阪の大劇場でさえも結構昔の古い建物だったもんで、ゆるみかけの座席が共振してガタガタ、ゴトゴト。おしりがかゆくなった記憶があります。

　そしてここから近未来───つまりSFになりますが、ついこの前公開されてケチョンケチョンに云われた『アイアムレジェンド』の元ネタである『SFオメガマン』がたぶん21世紀の今頃が舞台？さらにこれも今リメイク企画が進行中の『ソイレント・グリーン』が温暖化でエラいことになってる2022年が舞台。
　ぐーんと間をすっ飛ばして『猿の惑星』が、たしか西暦3000年あたり？
───ね、すごいでしょ？紀元前は神世の昔からお猿の未来まで、通算でおおむね4300年。しかも世界の終わりを何度観ていることか。

　チャールトン・ヘストンというと大体そのあたりのスペクタクル系の大作映画かSFが思い起こされるんですが、それらは彼の出演作のごく一部。そんなトンデモナイ作品群とは別に、ほとんどマイナーといっても良いほど知られていない傑作もあるんです。
　画像はありませんし観たのは随分昔なので記憶違いもあるかも知れませんが、ちょっとご紹介しましょうね。

『ローマを占領した鳩』というなかなかの傑作があります。第二次大戦末期、イタリアへ上陸してドイツ軍を南から攻めようと画策する連合軍ですが、これがなかなかしぶとい。そこで、ドイツ人を追い出して連合軍側へイタリアを解放しようと運動しているイタリア人に協力してもらうためにゲリラ作戦のための斥候隊がローマへ潜入を試みる、というお話。
　面白いのは無線ではドイツ軍に傍受されるからと、この斥候隊は伝書鳩をたずさえてゆくんですね。しかも潜入先で兵士のひとりが村娘と恋仲になったり、ミョーな所で緊張感がない。おまけに戦時の食糧難、まして日本と違ってヨーロッパでは鳩はけっこうなご馳走で…。はい、もうどんな騒動になるか想像できますね。これ、コメディと云うほど砕けてませんが、いわゆる戦争喜劇です。

　本人はどうか知りませんが、ヘストンは作品ではほとんど仏頂面なんですね。顔立ちもギリシャ彫刻のような彫りの深さですし、目つきも鋭いんですが表情が乏しい。そこへもってきて見事な体躯なので全体の印象もいかついので、冗談のひとつも云えず、生真面目な上にいかにも頑固そう。ある意味、人間的には面白くない男なんですね。
　だから彼が演じた西部劇の役はみんなそんな人ばかりです。まあウシやウマを相手で人付き合いがヘタ…という典型的な牧童そのままのイメージなんですが。ただ、西部劇では同時代に17歳年上のジョン・ウエインという大俳優がいましたし、彼も同じく頑固でぼくとつで口べたというキャラがかぶるので、そのフィールドではあまり目立たなかったのかも知れません。

　目立たなかったけど、いい映画もあります。先にちらっとご紹介しましたが、『ウィル・ペニー』がそれで、ちょうど昔日本で人気を博した長谷川伸（はせがわしん）の書いた戯曲のような雰囲気があるんですね。
　牧童ひとすじで生きてきたウィルが50歳を目前にして人生の岐路に立つという筋立ての地味なお話なんですが、劇中のアクションも含めてヘストン43歳というリアル年齢がうまく活かせています。
　実際、他に何の才能も芸もない男。若いうちはそれでよかったけど、体力的にもカウボーイを続けるのにはキツくなってきた50代の男のしんどさ、先の見えない不安感、まるで今のわたしらの年代を象徴するようなお話なんですよ。
　それまでのヘストンの輝かしい作品群や頼もしくて神々しいような役柄とは一転した役柄が衝撃的でした。
　ただしこの作品、映画雑誌『ロードショウ』などで紹介されたときの文面に“初老のカウボーイが云々”とあったんですね。50前で初老とはヒドイ話ですが、当時私も鵜呑みにしていた記憶があります。やはり紹介記事は正確に書き、的確に表現せんとあきませんね～。

　もうひとつ、南北戦争時代を西部劇と呼んでいいのか判りませんが、『ダンディ少佐』もなかなかの傑作です。友情と対立、確執と和解など男臭い映画を撮らせたら天下一品のサム・ペキンパーが監督なんですね。さらにいわゆるインディアンとの戦いを軸にしているんで見た目も派手なアクション映画に仕上がってます。
　変わったところでは『黒い絨毯』というのがあります。1954年、あの『十戒』の三年前の作品なのでパニック映画の元祖のひとつといえるかも。マラブンタという大型の食肉アリがありとあらゆる生き物や植物を食い尽くしながら主人公たちの住む街へジワジワと迫ってくるというもの。
　昔の映画なので特撮といっても知れていますが、真っ黒に大地を覆いながら迫ってくる描写はまさに“黒い絨毯”という表現がぴったり。虫が大嫌いな私でなくても背筋が凍る映像です。そこへ主人公たちの人間ドラマが加味されてなかなか見応えのある作品に仕上がっています。

　そして感動作『ナンバーワン物語』。これは何度も引退を薦められながらも、最後まで一線を退かなかったプロ・フットボール選手の栄光と挫折を描くもの。ヘストン自身もこの時45歳で、先の『ウィル・ペニー』同様、こうしたロートルの悲哀を扱った作品に何作か出ているんですね。
　あるいは、肉体派といえるヘストンの、衰え行く自分自身の投影として選んだ作品群だったのかもしれません。でも意外なことにスポーツマンが主人公なのはこの作品くらいでしょうか。
　監督は『ウィル・ペニー』と同じトム・グリース。

　最後に、テレビでばかりヘストン作品を観てきた私にとって、やっぱりヘストン＝納谷悟朗さんの声なんですね。
　だから字幕で観ると不思議な印象さえあるんですが、あまりにも回数観てる作品が多いので、ベン・ハーなんか勝手に脳内で日本語の台詞に聴こえてくる。
　お若い方にとって納谷さんといえばルパン三世の銭形警部かもしれませんが、いつも丹田に力を入れて喋る銭形警部と違って、ヘストンを演じるときはちょっとめんどくさそうな口調と、「んあー」って独特のうめき方が印象的なんですよ。こんど、意識して聴いてみてくださいね。

　では、また、お逢いしましょうね。（この記事は初出2008年04月19日のものに加筆・修正を加えたものです）

　そうそう、再度の引越を完了しました。なので、この記事へのコメントはそちらへおねがいいたします。

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　最後まで読んでくださってありがとうございます。ちなみに私───
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《お知らせとお詫び》またまた引っ越しするハメに…(つД`);;

よろ川長TOM — 2010-03-01T16:41:00+09:00

　いやもう、情けないやら哀しいやら。ドリコムブログのみならずやっと引越作業が1／4ほど終わったここJUSTブログまでも、3月いっぱいで閉鎖となります。
　完全にさまよえるブログです。(つД`);;　せっかく“お気に入り”を再登録していただき、またブログ村でのランキング復活を助けていただいたにもかかわらず、本当に申し訳ありません。

　しかし！引っ越し先が決まりました。

　やはりココログがいっちゃん安心できました。新しいU.R.L.はhttp://yologawa.cocolog-nifty.com/osucine/

　タイトルも見栄えもまったく同じです。まさか『新・新オススメ座CINEMAブログ』とするのも……ねえ。
　しかも、コメントもトラバも引き継げました！これは嬉しい。皆さんの温情を無駄にしないで済みました。

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　しかし結局、画像は手作業でひとーつひとーつ、再度アップしてはリンクしてゆくしかないので、ドリコムおよびJUSTの両ブログサービスが停止後は画像のすっぽぬけたものが出てくるかも知れません。

　もし、お気づきの場合は最新の記事にひとこと促していただけると大変有り難く存じます。

　しかし、記事は全部で90件。うち、戴いたコメントは770件、トラックバックは2,203件。
　なんとかとりこぼさずにトラバとコメントを再編しているはずですが、さすがにすべてのリンク先をひとつひとつ確認することは、今の私には到底できそうにありません。

　万一、とりこぼしがあった場合はなにとぞ事情をご考慮の上、ご容赦願います。
　旧『よろ川長TOMのオススメ座CINEMA』にお寄せ頂いたトラックバックの恩を忘れるものではけしてありませんが、何卒ご理解の程、心からお願い申し上げる次第です。

　いまなお、拙作の旧『よろ川長TOMのオススメ座CINEMA』での記事を検索等で見つけて下さり、映画鑑賞の参考にとしてくださる皆々様には、ブログ移転統一までいましばらく二重化した状態でお見苦しい様子をお目にかけますがお許しくださいませ。

　旧　『よろ川長TOMのオススメ座CINEMA』をごひいきにしてくださったお客様、ボチボチではありますが、がんばって移転＆リライトを完了させますので、ひきつづき当ブログもご愛顧のほど、よろしくおねがいいたします。

　2010年3月1日　よろ川長TOM 拝　　m(_"_)m
　

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『キングコング』見応えたっぷり、ついに登場した決定版！

よろ川長TOM — 2010-02-12T21:42:00+09:00

　はい、みなさんこんばんわ。
　3月15日(月) 午後11:00から、BSハイビジョンでこの傑作が観られますよ！

　2005年夏、劇場で予告編を観て目的だった映画よりも感動してしまったワタシです。
　あまりにも有名なこの作品ではありますが、テレビでクラシック映画を観まくった筆者でも、さすがに1933年の最初の作品はクライマックスシーンのごく一部しか知りません。

　ですから筆者にとっての『キングコング』体験は、1967年東宝の怪獣映画『キングコングの逆襲』からなんですね。
　この映画、当初は観る予定じゃなかったんですが、連れて行ってくれた祖母が本来観るつもりだった映画がやってなかったので、せっかく外出したのだからと孫の筆者が喜ぶ作品…ということで見せてもらったといういわくつき。

　しかしまだ6歳だった筆者、そのド迫力にもう押されまくってビビッたビビッた…
　いやいや、それはまた別な話…では2005年の新作キングコングのお話、いたしましょうね。
　

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　さて、今回筆者はすこし悩んでおります。
　キングコングなんてドラキュラやフランケンシュタインなんかと同じで、基本設定はもちろん始まりからオチでさえ誰もが知っている物語だから要は“いかに見事にリメイクされたか”が焦点かなと思っていたのですが、同じように考えていた『宇宙戦争』や『地球が静止する日』などは、案外オリジナルをご存じない映画ファンも多くおられたこと。

　たしかによく考えてみれば、昔のような“名画座”もほとんど姿を消し、レンタルも知名度の低い映画はなかなかお目にもかかれない現状では、宇宙戦争やキングコングみたいな映画はもう長い間テレビでは放送されていないのかも知れません。
　と、いうことは“ネタバレなし”が信条のこのブログとしてはウカツな事が書けないわけですね。
　まあ、困りましたね。難儀なことです。
　などとビビっていても仕方ないのでソロソロと進めてゆきましょう。

　日本が誇る東宝製キングコングの第一作は1962年の『キングコング対ゴジラ』。

　原典では恐竜だった対戦相手が天下のゴジラさんである以外は、経営的に追いつめられた企業が一発逆転を狙って地図にない無人島へ怪物を捕らえにゆくとか、綺麗なおねーさんがコングに気に入られてさらわれて…などなど、けっこう原典のキングコングに沿ったお話になっています。この作品はアメリカにも輸出されているので、筆者と似たような世代なら案外コングといえばコチラを思い出したりして…

　しかも人気が出たので五年後にゴジラ抜き、まったく新作として『キングコングの逆襲』が製作されました。
　この話もなかなか魅力的なのでいつかお話ししたいものですが…

　その二本の和製キングコングの次に作られたのは1976年のアメリカ製。お話はやはり原典と変わりないのですが、舞台が公開当時の現代、つまり76年のアメリカになっています。
　だからコングが美女を片手に登るのはエンパイア・ステート・ビルディングではなく、9.11事件で崩れ去ったあの世界貿易センタービルなんですね。そしてコングを斃すべく空から飛来するのはもちろんジェット攻撃機。
　ウィキペディアによりますと、これらのほかに33年元祖コングの続編としてなんと同じ年にもう続編『コングの復讐』がこしらえられているんですね。よっぽど第一作が売れたんですね。

　そして76年版にも86年に『キングコング2』が。こちらは筆者も観てはいないものの、予告編を観た記憶はあります。
　面白いのは和製も含めて、みんな続編がつくられていること。今回はどうなるんでしょうね。

　この映画のみどころのひとつは、コングに捕らえられた美女が絶海の孤島の密林で過ごすうちにやがて巨大なコングに対して愛情とも畏怖の念とも決めかねるような感情を抱き、コングはコングで恋心なのか友情なのか判らないまま彼女と交わされる不思議な心の接近の描かれ方にあります。
　野生の巨獣でありながら高い知能を持つコングの喜怒哀楽の感情表現や、それに対するヒロインの反応ややりとりなど、キングコングが単なる特撮怪獣映画で終わるか、心に響く映画になるかの岐路はほとんどそのあたりで決まると言えるのではないでしょうか。
　相手は巨大な怪物ですが、大島渚監督の『マックス・モン・アムール』や劇団四季でも知られる『美女と野獣』のように、いわばこれはとんでもなくエロティックな物語でもあるのです。

　それを初版33年版から支えているのが数々の特撮技術。メインだけ数えても四つのキングコングの歴史は、そのまんまその時代の最先端映像技術のカタログのようですね。

　33年版ではモノクロですが、コマ撮りアニメーションによる特撮としても映画史上に残る傑作に数えられますし、62年の東宝版では邦画のお家芸：着ぐるみによる重量感・巨大感と共にゴリラならではのスピード感あふれるコングは、当時大流行した超ワイドなシネラマ画面をフルに活かして縦横無尽にゴジラと大迫力の対決を見せてくれます。

　さらに76年ハリウッド版では身長10メートルに及ぶ設定の巨大なコングを実寸大のロボットとして製作し、当時投入できる限りの最新技術でコングの表情や細かな動きを再現したことで話題をさらったものです。
　この技術はのちに日本でも84年の第二期第一作以来ゴジラでも多く使われ、ゴジラの生々しい表情を再現することに成功しましたが、この76年版キングコングでもっとも印象的なのはジェシカ・ラング演じるヒロインが川で泳いだ後、びしょぬれの髪と衣服をコングが彼女に息を吹きかけて服を乾かしてやるシーン。

　それこそエロティシズムの極致。え？お猿の生臭い息なんか吹きかけられたくない？まぁ、それもリアリズムですねえ。

　そして2005年（日本ではお正月公開の映画だから2006年版というべき？）。
　20世紀特撮技術の集大成のひとつである特殊メイクに、21世紀初頭出色のテクノロジーであるCGとVGを駆使して誕生した新たなコングは、現代のロボットはもちろん、たとえタイのムエタイ系俳優がスーツアクターをしても絶対できないゴリラならではのダイナミックな動きを再現しながらも、感情のある類人猿…いや、ヒロインに恋心を抱く一匹のオスとしての細やかな演技を見せてくれるのです。

　さらに今回の監督であるピーター・ジャクソン、視点移動が上手いですね！
　実にさまざまなアングルからの撮影をうまく活用することで説明的にならずに、きちんとキャラクターの位置関係などを理解させてくれていますし、動と静のバランスもいい。

　クライマックスの複葉攻撃機との戦いのシーンはウルサガタの飛行機ファンである筆者も納得のつくり。昨今で空中戦のあったどの映画よりもリアルで上手かった。
　どう上手かったか？たとえ目標が据え物でもなかなか当たらないんですよ、この頃の複葉機の機銃なんて。

　そしてヒロインのナオミ・ワッツが可憐でしたね。正直、惚れ込みました。
　チャップリンの映画をご覧なさい。1920年代の美女はみな、まぁるい顔立ちでクチも小さいんです。これがジェシカ・ラングみたいな骨張った美人だったらダメでしたね。
　密林での大活劇の後はもう服装も何もメチャクチャになるのですが、ちっともいやらしさがないのが良かった。しかも麗しいシーンはしっかり可憐で美しい。
　筆者は彼女を全くこれまで知らなかったのでネットで過去作品での彼女を調べましたが、驚くのは、他の作品や広報用スチールでは実年齢のままでまるで別人に見えることです。さすが一流の女優！…ですが個人的には今回の彼女が一番好きですね。

　最後にこのあまりに有名な物語について考えたことを。

　冒頭、1920年代後半から30年代にかけての世界大恐慌時代の都会が描かれます。
　エンパイア・ステート・ビルディングやクライスラー・ビルなど異常なほどその高さを誇り合った摩天楼の建設ラッシュ、映画産業やショウ・ビジネス文化の華やかな発展の一方で、『シンデレラ・マン』でもあったように、その日の食事さえ満足に摂れない失業者や浮浪者がわんさと街にあふれていた極端な経済状況にあったことが交互に映し出されていきます。

　しかし当時のことをよく知らない我々にしてみると、その日の食事にも事欠く生活環境で飢え死にした人も多く出たほどにしては、意外なほど街ゆく人々は身なりもよく、例えそれが虚勢にせよ凛とした姿で行き交う彼らの姿からはリアリティに欠けるような気がしますが、実はその逆で、大恐慌がいかに突如やってきたかということなんですね。
　そして主人公の女性は売れないまでも一応は華やかなショウビジネスで女優をしていたのがある日突然に職を失い、たちまちその日の食べ物にも事欠くほどの状況に追い込まれてしまうのです。

　その事も含めて、実は『キングコング』とは元々とても社会批判精神に富んだ作品だったのではないかと思うのです。
　だからそういう意味でも世界的な娯楽映画でありながら実はとんでもなくアイロニーに富んだ、筆者にとっては後味の悪い作品なのです。

　筆者は幼い頃から動物園が苦手でした。
　動物保護を訴える善人を気取るわけではないし動物園関係の方には申し訳ありませんが、コンクリート打ちっ放しの檻の中で落ち着きなくうろつく動物があまりに惨めに見えて、とてもじゃないけど楽しい気分で観ていることなどできなかったのです。
　拙作記事『痛いもの見たさの5作品』で書いたように筆者はたぶん被害妄想なのでしょうが、もし自分が彼らの立場だったらと考えると耐えられない。

　『キングコング』は、たとえ理由はどうあれ私利私欲のために意志あるものの自由を奪って拉致し見せ物にした挙げ句、逃げ出したからと寄ってたかって射殺するという、昨今よく見かける“逃げ出したペットの猛獣”の事件のてんまつに酷似した筋立てになっています。
　ヒロインはコングに心を寄せ、さも心優しき善人といった存在ですが、結局は同情に過ぎず最終的にもなにひとつ救うことのできない無力な傍観者……つまり所詮は映画を観ているわれわれ観客と同じ立場なのです。

　また社会的・経済的に追いつめられて取り返しのつかない暴挙に出る主人公の映画監督などは、まるで建造物耐震強度疑惑の中心人物たちを彷彿とさせ、ヒロインが捕らえられていようがいまいが容赦なく発砲する地上部隊や攻撃機部隊の行動には米軍が行ったイスラム世界への無差別的とも思える波状攻撃を思い起こさずにいられません。

　ドクロ島の原住民たちはいつの時代も野蛮な未開人のように描かれていますが、これとても突然上陸してきた怪しい連中にしきたりを破られた彼らの立場で考えれば無理のない話だとも思えます。
　上陸した主人公たちのいかにも有色人種に対する見下げたあつかましい態度や、その後征服した土地からなんでもかんでも強奪して母国へ持ち帰るという発想そのものがいかにも植民地時代の欧米社会が長年やってきた事の傲慢さが連綿と描かれています。

　そしてたとえ文明世界から見れば野蛮で危険でもドクロ島は自由であり、都会は便利で文明世界だろうともしがらみだらけで生きることさえ難しい不自由な場所。
　さらにはトランス状態で踊り狂う島の原住民と、見せ物を楽しみに劇場へやってくる紳士淑女の熱狂ぶりなど、ある意味この作品には全ての要素が対比的に描かれているのです。

　約三時間に及ぶ大作になり、見ようによってはくどく感じられるそうした描写は、むしろあえてそう描いた、つまりそちらこそがこの映画の主題だとこの映画の製作者は思ったのではないでしょうか。
　おそらくはそういう世の中の不誠実な現実や欺瞞をきちんと描くことこそ、本来この映画に秘められたメッセージが観客に伝わるのではないかという製作者の思い入れ、それも執念に近いものを感じられます。

　死んだコングの上に乗ってひたすら写真を撮る報道陣。「美女（Beauty）が野獣（Beast）を殺したんだ」とつぶやく主人公。
　彼のいう美女…ビューティとははたして何を意味するのか。いろいろ考えさせられる、しかし実に見応えのある映画です。

　東宝版では二本とも、コングは敵を倒して故郷の島へ海を泳いで帰って行きます。
　いくら巨大な身体をしていても、遙かな海を泳いで還れる保証はありません。主人公達はただ、見守るしかないというラストを採りました。
　コングが生きて故郷に還れることだけが、彼らの贖罪になるからですね。
　同じラストはモスラでも描かれています。しかし、いずれも中心人物たちがやらかしたことのために、とてつもなく大勢の無関係な人たちが生命を失っていることは、ラストでは触れられていません。

　余談ですが、コングが最後に登りつくエンパイア・ステート・ビルディングのてっぺんの塔は、当時大活躍していたグラーフ・ツェッペリン号やヒンデンブルグ号のような巨大硬式飛行船が空中係留するためのエアポートとして設計されたものです。
　しかし実際にできあがってみるとあまりの強風でドッキング不可能だと判断されて結局それきり“開かずの間”になってしまう塔なのでした。

　では、また、お逢いしましょうね。

　＊イメージ画面は『キングコング』本編またはトレイラーから拝借いたしました。

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＊以下は旧『よろ川長TOMのオススメ座CINEMA』時代に戴いたコメントの再録です。

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１９３３年オリジナルがわが国で公開されたときも大ヒットでしたが、すでにその時も便乗際物的作品『和製キングコング』が喜劇作品として登場。一定の評価を受けている。１９３８年にはオリジナルが『キングコング日本篇』のタイトルでリバイバル上映。このときも便乗際物時代劇として『（大江戸に現れた）キングコング』なる作品が単館？上映された模様。こちらの方はほとんど評価に値しなかったようである…。

Posted by:三秀　at 2006年01月07日(土)　13:51
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ジャクソン監督のコンセプトで、今回の『キングコング』のノリで、ハリー・ハウゼンの『シンバット７回目の航海』のリメイク版をやって欲しい。
オリジナルでは、予算の都合で描かれなかったイメージ・ボードや映像的に胴体しか描かれなかった大海蛇などもふんだんに盛り込んでお願いしたいです。
クリーチャーの造形デザインもオリジナルのままに。

Posted by:三秀　at 2006年01月07日(土)　13:59
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光秀さん、はじめまして、でしょうか。
補足説明ありがとうございました。なんと、喜劇バージョンの和製コングもありましたか！これは全くの初耳です。
どんなんだったんでしょうねえ、観てみたいものです。
ハリー・ハウゼンのリメイク、なかなか興味深いですね。個人的には『アルゴ探検隊の冒険』も好きなんですけど。

Posted by:よろ川長TOM 　at 2006年01月07日(土)　22:50
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面白かったですね、キング・コング。
本当に奥が深くて見ごたえたっぷりでした。
それにしても、
エンパイアステートビルのてっぺんが
飛行機の係留所として設計されたとは驚きです。

Posted by:ハリケーン678 　at 2006年01月22日(日)　21:56
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『アパートの鍵貸します』男の優しさってなんやろか？

よろ川長TOM — 2010-02-01T00:24:37+09:00

　はい、みなさんこんばんわ。
　まえにご紹介した傑作コメディ『あなただけ今晩は』のキャスト・スタッフが、その3年前に撮ったのがこの作品。
　私がはじめてコレを観た時は小学生。正直、まったくこの作品の良さが解りませんでした。

『あなただけ今晩は』が、子供が観ても笑える生粋のコメディだとすれば、こちらはぐっと大人のテイストで作られた深みのあるお芝居で魅せる、少々難度の高いコメディ。
　だけどジュニアだって、一度でも恋をした事があるならぜひご覧なさい。まるでお酒の味のように、今は解らない所も回数を重ねるたびに意味が解ってきます。この映画の洒落っ気や意地の悪さが分かるようになります。

　年配の方には有名な作品ですが、クラシックとなっててご存じない方も多いかと思いますから極力ネタバレをさけて解説させて戴きますね。
　

　
　舞台は1959年の暮れも押し迫ったニューヨークの冬。マンハッタンの一等地に巨大なビルを構える超一流保険会社に務めるものの、しがない計算係のひとりに過ぎないバクスターは、なぜか上司たちの受けがいい。それどころか近々、大抜擢昇進の話も浮上してくるほどの上昇株……でも実はそれもこれも、彼が一人住まいするアパートの部屋が、上司たちの浮気用ラブホと化していたためだった───

　ね？こんなところからして、子供では…というかお子様には説明できませんわね。
　でも昔の粋な時代の映画ですから、ベッドシーンとかの不必要な見苦しい画面は一切出てきません。だから逆に子供が観ていてもよほどのおませさんでない限り、台詞や行動からは分かりませんね。
　私は奥手だったんでまさにそうでした。だから昔はこの映画の良さが分からず、大人になってやっとこの映画の意味や面白さが解りましてね。しかし、実はこういう“想像をかき立てる”演出の方がよっぽどエロティックなんですよ。

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　それはともかく、もともと商売で部屋を貸してるわけじゃないし、なにせ相手は上司なので断りたくても断れず、仕方なく部屋を譲って極寒のニューヨークの寒空にコートだけで追い出される始末。
　しかしそんな事情を知らないアパートの隣人は、彼が女性をとっかえひっかえ連日どんちゃん騒ぎに興じているろくでもない遊び人だと思い込んでいる。
　だけど実際はX'masも近いのに一緒に過ごす恋人もなく、とうとう風邪までひきこんでしまった上に、上司のそのまた上の偉いさん───部長にバレてしまうんですね。ところがこの部長が悪いおっさんで、自分も部屋を使わせろとバクスターに迫る……。

　バクスターを演じるのは、前年の『お熱いのがお好き』でメガホンを取ったビリー・ワイルダー監督と二度目のタッグを組むジャック・レモン。その後この組合せで『あなただけ今晩は』『フロント・ページ』が作られる。よほど気が合ったんですね。
　ちなみにバクスターの通称が“バド”。劇中でも上司の一人が彼の事を「バッド・ボーイ」と呼びます。もちろん悪ガキとかの意味なんですが、実際には真逆の真面目で真面目で、真面目すぎるゆえに上司の悪だくみに荷担させられ、真面目だから苦労しまくる彼に対する、ビリー・ワイルダー流の皮肉になっている。

　そして敵役とも言える悪い悪い部長を演じてるのは、この作品の後テレビシリーズ『パパ大好き！』の主演で、なんとも人の良いやもめのマイホームパパを演じて日本でも大人気を博す事になるフレッド・マクマレー。
　悪役ですが、顔はカピバラみたいにぬほり〜んとしております。それまではよくディズニーの実写コメディに出てた人で、この作品の次の年、1961年にはかつてロビン・ウィリアムズ主演でリメイクされた『フラバー』のオリジナル版もこの人が主演。
　CGなんかない時代ですからフラバーも生命こそありませんでしたが、勝手自在に跳ね回るゴムボールが愉快なコメディ映画でした。しかもこのボール、ある細工をすると空中に浮かぶので、T型フォードに装備して空飛ぶクルマができあがるという…あ、これはまた別の機会に。
　昔、ディズニーご存命の頃は、動物ものやSFまがいの夢のある短いコメディとかけっこう撮ってたんですよ。

　それはともかく、この作品ではこのおっさん、フレッド・マクマレー（写真・上左）。サイテーな色ボケ無責任オヤジを演じております。

　とにかく舞台となってる会社がでっかいの。従業員3万人、多すぎるので退社時間は部や課ごとに時間をずらすシステムで、摩天楼だから大型のエレベーターが常に数機動いていて、それぞれに専業のエレベーターガールが配備されている。
　もっとも、この時代は今みたいな自動エレベーターはないので、大きな会社なら日本でも電話交換手と共に必ず数人おられたらしい。そして主人公バクスターはそのエレベーターガールに恋をするんですね。

　その人こそ、次回作『あなただけ今晩は』でも相手役を演じたシャーリー・マクレーン。

　この時彼女は25歳だったはずですが、当時流行であるくるくるパーマとは真逆をゆくショートカットは当時もかなり新鮮だったはず。よくこの人のことをコケティッシュだと表現されるのを眼にするんですが、私は色気よりもむしろボーイッシュな愛らしさの方が強く印象に残る女優さんです。
　まあそれも吹き替え定番が小原乃梨子さん（ドロンジョで今また若い方にも知られてますね）だからかもしれませんが、この作品でもパジャマ姿が出てきたりして、そのシーンはかなりな萌えです。

　私のシャーリー・マクレーン感は、なんといっても眼。今も昔もぱっちりした印象の女優さんが多い中、この人は普通にしてるとモディリアニの絵を連想させるような、そしてどこか東洋人的な眼をしてられるんですよ。
　ご本人は一休さんの最後の愛人の生まれ変わりだと公言されてるんで、あるいはほんとにそうなのかもしれませんね。
　それと、ちょっとツンとした印象の上唇と、少し丸く前に出たあごのせいか、すましている時と笑っている時の印象ががらりと変わる。

　ところで冒頭でバクスターを“しがない計算係”なんて紹介しましたけど、彼のモノローグを聞いているとけして“しがない”ことなんかないんですよ。

　まず1959年という時代背景。日本もですが、資本主義の高度成長期です。ましてアメリカは飛ぶ鳥を落とす勢いで当時の通貨レートは1ドル＝360円、しかも当時日本ではコーヒー、ラーメン1杯がほぼ50円だったとかですから、1ドルは今の3,600円くらいの値打ちがあった事になる。そこでバクスターの給料は週給95ドルで家賃は一ヶ月85ドルだそうな。
　まあ、単純計算で月給13万ですが、当時日本の大卒初任給がウン千円の金銭感覚からするとかなり高給取りってことになります。

　朝鮮戦争が終わってベトナム戦争に入るまでの束の間の平和───まあソ連との冷戦のまっただ中ではありますが───機械文明としても電算機が登場して取り入れられつつあるけれど、まだまだ人間が主役だった頃です。
　この作品でも冒頭でバクスターが電算機のリズムに合わせてノッてたり、それが時間が来るとピタッと止めて一斉に帰って行くなど、モダンタイムスの逆を行くスタイルで非人間的な仕事ぶりを皮肉ったオープニング。

　そしてバクスターのアパートは、石造りで立派だけどかなり古そうな建物なんですが、これも冒頭、本人のナレーションで「中古のクーラーがついたので家賃が値上がりした」とボヤいてるし、テレビはモノクロではあってもちゃんと手元にリモコンがあるのには、私もビックリしました。
　今で言うハイテク。
　画面からは有線式か無線式かは分かりませんが、日本でそうした無線式のテレビリモコンが一般向けに発売されたのは随分あとの事でしたからね。
　で、それで観ようとした深夜劇場は『グランドホテル』とどうやら『駅馬車』のよう。

　で、この時食べてる深夜の晩メシもでかい冷蔵庫から取り出した冷凍のチキンをオーブントースター風の調理器でチンしてる（家庭用電子レンジはまだありませんので）し、当時としてはかなり進んだ生活です。
　だってこの頃、日本で冷蔵庫のある家なんてほとんどありません。電話もテレビもそう、ましてクーラーなんか夢もまた夢です。
　しかものちに登場する、会社丸ごとでのクリスマスパーティーのバカ騒ぎっぷりやら町の賑わいやらのすごいこと。

　ところがそんなハデハデで恵まれた生活なのに、オープニング以来この作品にずっとつきまとうのが寒々しい孤独感。

　ひとりぽつんと浮き上がってるバクスターの孤独感はどうでしょう。
　じつは冒頭から、たったひとりで残業をして時間をつぶす彼のロングショットなんですね。しかも彼が口を利くのは部屋を貸してる上司か、せいぜい席の近いおっさんにひとこと、ふたことだけ。
　親しい友達がいないんですね。

　隣家のドクターは商売上か人柄か、なにかと好意からバクスターに忠告はしてくれるものの、最後まで彼がバカ正直な純情青年だとは知らないままだし、またバクスターも「実は」と打ち明けもボヤキもしない。初めから終わりまで、「ま、いいか」なんですね。

　そんななかで彼がした恋も、やはりとびきり寂しくて切ない恋。

　アパートの部屋貸しのおかげで異例の出世をとげながらも胸には常に虚しさが伴う。

　バクスターを演じるジャック・レモンのなんともいえない寂しげな演技が多くの人の印象に残ったんでしょうね、この後彼は「ペーソスを演じさせたら最高の俳優」と呼ばれるようになってゆきます。え？ペーソスって何？ですって？
　きっと、この映画をご覧になれば分かりますよ。
　女性は恋愛映画で胸がきゅんとなるかもしれませんが、男は彼の映画を観て男の切なさ、つらさを知ってきゅんとなるんです。

　この映画で、彼を通じて男の優しさってなんだろか、と考えさせられるんです。
　ほんとの男らしさとはどういうことか。もちろんイマドキの考え方なら彼は積極的な行動はほとんどとらないヘタレとか意気地なしに見えるかも知れませんが、どんなエライ目に遭ってまでも、好きになった女性のためにひと肌脱ごうとする、静かな意気込みを感じて欲しいのです。

　そして彼が彼女に献身的に捧げる愛情。そこには邪心など微塵もない。あるのはいたわりの心だけ。なんとかして彼女を癒してあげたいと願う気持ちしかないんですね。
　あるいはそれは恋愛感情であると同時に、自分同様に都会で孤独をかこって独りで不器用に生きてきた彼女にしてあげられる友情だったのかも知れません。

　ラスト近く、ようやくその事に気づくシャーリー・マクレーンの一瞬の表情の変化を見逃さないでくださいね。おもに台詞廻しの巧さ、面白さで攻めてくるビリー・ワイルダー作品ではありますが、このまったく台詞のない数秒の演出、見事です。
　またそのシャーリー・マクレーンの演技も素晴らしい。ようやく報われるバクスターのことを考えるとおもわず涙がこみあげてくる。
　そして、ラストカット。粋です。これが、50年代、60年代の恋愛映画。これが、ビリー・ワイルダーの粋。

　ビリー・ワイルダー作品、しかも脚本も天才：I・A・L・ダイアモンドの手になるこの映画、最大の見どころはもちろん脚本、台詞、シチュエーションの妙なので、あえて肝心な部分───バクスターが恋に墜ちて彼女を少しづつ知って行く過程───の細かいところは伏せておきます。
　幸運な事にまだお話をご存じない人は、ネタの分かってしまう他の映画サイトやウィキで下調べなどせず、映画の物語を時間に沿って主人公バクスターとシンクロしながらご覧になって戴きたい。

　バクスターが事実関係を知って行くくだりの演出、さりげない小物の使い方のなんと巧い事か。もしあらすじをご存じなかったら「えっ」と驚かれる方も多い筈の仕掛けがいっぱいなんです。

　男の人は、女の人へのいたわりの心、男の思いやりを知ってください。
　女の人は、へなちょこ野郎でもイイトコはあるんだと知ってください。

　いい映画ですよ。これ。

　では、また、お逢いしましょうね。

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『サロゲート』SFとしてはユルいがエンタメとしては良い出来。

よろ川長TOM — 2010-01-20T02:58:45+09:00

　はい、みなさんこんばんわ。
　今さらですが、とうとう2010年になってしまいました。だいたいね、四半世紀前の昔は『21世紀』という言葉自体がSFの代名詞だったんですよ。まして2010年なんてそれだけで夢物語でしたよ。
　もっともね、お若い方にしてみればどうということ、ないのかもしれませんね。物心ついた時には一家に一台以上パソコンがあって、宇宙ステーションへ飛び立つ飛行士たちの話も他のニュースのついでにしか流れないし、カバンの中には携帯電話が普通に入ってるんですから。

　この映画、サロゲートは次の時代、ロボットが人間の代わりをしてるのが当たり前の時代。
　え。そういう映画、今までにもたくさんあった？そうですね、でもちょっと変わってるんですよ、この作品。いわばロボットの原点回帰とでもいいましょうか。

　
　チェコのカレル・チャペックという劇作家の1921年の作品がもとになって、ロボットという言葉とイコール人造人間という考え方が広まり、さらにSF作家アイザック・アシモフがロボットの概念を今のイメージとして決定的にしましたね。
　それから90年、ロボットって何？と尋ねるといろんなタイプの答が返ってくるようになりました。

　それだけロボットという定義の底辺が拡がったわけです。ただね、日本ではアトム以降のアニメの影響が大きくて、かなり好意的に捉えてるのに対して、欧米では人間の存在を揺るがす驚異として描かれる事が多いんですね。
　というのもチャペックの最初の作品も、アシモフの作品も基本的に人類に対して叛乱するのが必然といった流れがあって、そこから派生したロボットがらみの作品も映画も当然のこととしてパニックものなんですね。

　彼らの考え方を覆す作品が出ていても、いろんな意味で越える事がなかったんでしょうね。

　その後にロボットが登場する作品をズラッと観ても、『メトロポリス』『禁断の惑星』『地球が静止する日』『ウエスト・ワールド』新しめでも『ブレードランナー』『ターミネーター』『レッド・プラネット』『AI』『アイ、ロボット』などなど、禁断の惑星に登場するロビーくらいでしょうかね、最後まで人間に忠実だったのは。
　そうそう、『エイリアン』のアンドロイドたちもそうですね。

　一様に“優秀極まりないけど、薄気味悪いもの”として描かれている。『Wall-E』やそれの元？と思われる『ショート・サーキット』ですら、故障してるから人間寄り、という皮肉な設定。

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　さてしかし、これらのロボットはすべて今回のサロゲートに登場するロボットとは大きく違います。彼らには叛乱するだけの“自我がある”んですね。
　ところがサロゲートに登場する無数のロボットたちは、ユーザーとそっくりな姿形でこそあれ、のーみそはありません。むしろマニピュレーターというか、遠隔操作のためのヒトガタをした装置に過ぎないところがこの作品のミソ。
　日本では操縦者に完全依存した人型兵器としてのロボットはスタンダードですが、アメリカでこのスタイルはもしかしたら初めてではないんでしょうか。
『エイリアン2』や『スターシップトルーパー』に登場するものも、あくまでウェポンとかアーマーとしての認識であって、あれをロボットとは誰も呼ばなかったでしょう。

　つまり、サロゲートに出てくるの（劇中ではそのロボットをサロゲートと呼んでましたが）は、今の感覚で言えば“乗り物的”…つまりマジンガーZなど、スーパーロボットが等身大で出てきてると捉えるとピンと来るんじゃないでしょうか。

　だからこれこそ『アバター』なんですね。
　実際、“サロゲート”とは代理とか身代わりといった意味らしいです。

　で、やっと作品のお話をさせていただきますと、この時代の世界は誰も彼もがこのアバターロボットを介して実生活を送っていて、本体である人間は自宅の奥深く、リンク用装置のベッドに横たわったままでえんえんと引きこもり生活している。
　そんな生活してたら、ほんとなら骨も筋肉も衰えきって、自力で立つことさえできなくなるはずですが、そこはそれ、サプリメントとかで無理矢理維持しているような設定らしい。

　面白いのはこの作品では、引きこもり行為自体の善し悪しには全く言及してないこと。
　これが昔のSFなら、全人類が引きこもってしまったら世界はいずれ破滅する…みたいな危機感と終末論に繋がるべき所なんですよ。『マトリックス』がそうでしょう？

　人間の真の自由はどこにあるのか？みたいな。

　いちおうサロゲートでもそういうことを言うんですが、他のSF映画ほど、そこのところに重きが置かれてない。
　ここらへんは、ある意味で新鮮です。誰もが引きこもり経験ありきでしょ、というのが前提ででもあるかのよう。むしろ人と人の本来の繋がりって何？という投げかけ方。

　ちなみに『銀河鉄道999』各駅停車エピソードのひとつに『なまけものの鏡』というのがありましてね。何もかもオートメーションで快適な生活を送ってる星のひとたちが家からはみでるくらい肥満して…なんて話があったのをこの映画の設定を聞いた時、真っ先に思い出しましたけどね。
　でももともと人間がロボットに望んだことは、ぶっちゃけて言えば“奴隷”なんです。
　自分たちがやりたくない労働の肩代わりだったり、楽したいが為だったり、欲求を満たすための対象だったり、人間が危険に身を曝すことなくいろんな事に従事するための存在、それがロボットだったはず。

　だから『パーマン』で主人公ミツオとコピーロボットとの、やれ宿題やれだの、イヤだ、自分でやりなよ…とかのやりとりなどは、まさに“所持”→“服従”→“叛乱”→“崩壊”…と、古典的ロボットSFの縮図だと言えるのです。

　そして全てのそうした作品の行き着くところは、みな同じ。

　だから、私みたいに先を全く読まない、ボーッとした観客でさえも、この『サロゲート』は諸処ミエミエなんですが、めずらしくブルース・ウィリスが結構厚みのあるまともな演技をしていまして、さらに90分にも満たない尺の中に無理に詰め込みすぎず、科学的設定などはかなりあっさりした映画でありながら、ブレードランナーを彷彿とさせる派手で重厚なアクションシーンもほどよく加味されているためか、話がすっと入ってくる上に結構楽しめるんですよ。

　CMではいかにもパニック系のSFみたいな見せ方していますが、科学的な部分はいまでは実世界でもお馴染みなテクノロジーだったりするため難度も低く、WALL-Eみたいにうーんと考え込むような裏っぽいところもない。

　そもそも勧善懲悪ものなど結末が分かりきっていても観客が観に来るわけは、そこに至るまでのプロセスを楽しんでいるわけです。
　同じスタンスでこの『サロゲート』は、冒頭のやたら小ぎれいなブルース・ウィリス演じるトム・グリーア捜査官がいかに本当の自分を取り戻し、さらにはあらためて自分の過去と向き合ってゆくのかを作品を通じて一緒に追っ掛けていく作品なんです。

　モチーフは近未来SFですが、じつは倦怠期夫婦の再生もの映画なんですね。

　そのせいか、けっこう緻密に未来を描いているのにもかかわらず、登場するアイテムはあまりにも今私たちの身近にあるものと大差なくて、ビジュアル的にはちっとも未来らしくないし、事件の展開上、どうしても必要で登場してくるアイテム群もむしろよほど新『007』シリーズのほうが気が利いているほど。

　しかし注目すべきはブルース・ウィリスのいつになく抑え気味な演技。

　彼がこうした性格を前に押し出した演技をしたのを私が観たのは『シックス・センス』以来。もちろん『アンブレイカブル』とかそれっぽい作品なども出てはいるんですが、どうもそうしたお堅い系路線でなければ真逆な『ダイ・ハード』系のアクションものばかりの気がしてなりません。
『16ブロック』もアウトロー警官が巻き込まれて、足手まといひきつれて死にそうな目に遭って…と基本的に同じでしたからね。

　昔はメリル・ストリープやゴールディ・ホーンと共演した『永遠に美しく』なんて気の利いたブラックコメディにもチャレンジしていたし、まさかの『フィフス・エレメンツ』なんてバーバレラ並みにぶっとんだSFもこなしてましたから、いくら老けたとはいえ、もっと可能性にチャレンジしてもらいたいもんだと思ってたんですよ。

　そういう意味では今回、小ぎれいで若々しいクールなブルース、はたまたターミネーターばりの超人的アクション、そしてその真逆の人間くさくてズタボロオヤジのブルースと、たった90分に様々な表情を見せてくれます。

　大感動するとか謎にうめくとか心に残るといった作品ではありませんが、なぜか昔のSFTVシリーズを観ているような安心感のある楽しさがあったのは事実です。
『アバター』や『カールじいさん』などの3Dや、アカデミー狙いの大作がひしめいているだけに、たぶんアッという間に劇場から消えるような気がします。

　でもご安心を。この作品なら自宅のアナログテレビでも充分楽しめますからね。
　
　では、また、お逢いしましょうね。

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『カールじいさんの空飛ぶ家』鑑賞後用ver.／実はすごく意味深

よろ川長TOM — 2009-12-05T18:42:00+09:00

　はい、みなさんこんばんわ。先にお届けした【『カールじいさんの空飛ぶ家』夢の映像化はリアリズムから】のこちらが【鑑賞後ver.】、つまりご覧になった方のための“あと解説”です。
　ですから、まだご覧になってない方にはかなりのネタバレ率となりますので、こちらの記事は映画をご覧になった後でお読みくださいね。
　この作品、ふたりの老人の末路を描いたもので、哀しい話ではあるけど、悲しい話ではない。妻を失ったことは単なるきっかけに過ぎないんですよね。

　最近の私が映画を観る場合は、可能な限り何も知らないままでのぞんでいます。ある意味、本の背表紙だけを見て『タイトル買い』しているのに近い。
　そのほうが重たい脳みそがフル回転して、作り手が何を言わんとするのかが見えやすいと思うので。
　だから今回の『Mr.フレデリクソンの空飛ぶ家』…いえね、劇中でほとんど『カール』なんて名前が出てこなかったもんで…実際、冒頭に登場する飛行帽の少年を見て、てっきり彼と近所に住んでる発明家のおじいさんとのお話だろうと思い込んだんですよ。

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　そしたらなんとまあ、ボーイ・ミーツ・ガールになって、そのまま二人がくっついて、きれいにきれいに老けて行きますね。驚きましたね。
　幼い時のふたりはなんだかチャーリー・ブラウンとペパミント・パティのよう。
　その後に続く短いカットやきめ細かな芝居の中に、二人の幸福だった半生が見事に散りばめられている。こういう表現は本当に上手いですね、ピクサーは。
　しかも、その短い間に物語のもっとも大切な伏線がみな散りばめられていて、どれもが適度に印象が残るように描いてある。
　王冠のバッジ、ふたりの共同作業、想い出の写真とスクラップブック、そして“夢”───“目的”と、Mr.フレデリクソンの子供の頃からの“Cross My Heart（誓う、と訳してましたが）”の仕草。

　しかし、ふたりには別離が待ってます。
　こういうシーンは数多くの映画に登場しますが、つい先だって観たばかりだったこともあって、第81回米国アカデミー賞の短編アニメーション賞を獲得した『つみきのいえ』と重なったんです。すばらしい作品でした。
　でも、この作品にとってはここからが本当のスタートなんですね。

　すっかり老け込み、足腰の弱った老人となったカールの日課は、きちんと着替えて玄関ポーチに置かれた椅子に陣取って周りの再開発工事をにらみつける事。
　その構図はまるで『グラン・トリノ』のイーストウッドのよう。意識してるんでしょうか、それともあれって、アメリカの老人たちのスタンダードな風景なんでしょうか。
　ただし、カールじいさんの風貌は老いてなお逞しいイーストウッドとは異なり、ツイードの似合うどっしりした雰囲気は往年のジャン・ギャバンかスペンサー・トレイシーみたい。

　そこからのエピソードも上手いですね。
　力なき孤独な老人の悲哀がひしひしと伝わってきます。

　でも、そのあとがチト違う。まあ、ヤケのヤンパチになるにしてもちょっと端折りすぎでしょうか、もう少し思い詰めるカットとかは欲しかったんですが、たしかに小気味のいい旅立ち方ではあります。
　ちなみに予告編では老人ホームのスタッフに思いっきりブーイングしてたんですが、本番ではやってないバージョンもあるんですね。

　そして、まんまるころころ肥満少年のラッセル君の登場で俄然、賑やかを通り越して騒がしくなるこの作品。前回の『WALL-E』もそうですが、冒頭はパントマイムで、台詞が入った時点で本編…という二部構成的な流れ。

　とはいえ、映画の基本、それはやはりお芝居、パントマイムですね。台詞はないけど身体全体、画面全体で見せる、演技で解らせる画面。ピクサーには常にそれがあります。
　私みたいになんでも斜めに観ている者にしてみると、作品本数を重ねるたびに磨きの掛かるパントマイム・ギャグは笑うと同時にあまりの巧さに感動してしまうのです。実際、ピクサー作品は字幕なしでもかなり理解できる。

　そして、ほんとうにキャメラがうまいですね〜！アニメーションなのですから、キャメラという表現は変かも知れません。
　しかし不思議なものです。キャメラなんてないのに、ロングショットの使い方、パンニングの巧さはまるで名作映画の名キャメラマンがやってるよう。
　なのにいくらアカデミー賞とか穫っても、アニメーション演出撮影賞なんてなかったでしょ。そろそろ時代が時代なんですから、アニメの賞の中でもっと細かくこしらえてもよさそうなんですけどね。

　構図の取り方もうまい。
　アップが続いたから次、ロングで行こうか…というテレビ的な場当たり的なローテーションではなく、たとえバストショットが続こうとも、必要でない限り無意味な使い方はしないという姿勢が見て取れる。
　そのかわり使うとなったらクローズアップもロングショットも徹底的に効果的な使い方をしてますね。そこには必ず笑いや感激、驚き、時には恐怖が伴う。

　私はついつい動画にばかり夢中になってしまいますが、音楽がまた実に味がある。
　クラシックをうまくアレンジしてるところもそうですが、全体に流れている雰囲気は実は私のような世代には懐かしい懐かしいものなのです。
　幼い頃にテレビで放映していた懐かしい時代…ですからチャップリン以後ではあっても戦前の活劇、またはフライシャーのアニメ…ベティさんやポパイの人ね。…それや、初期のモノクロ時代のミッキーマウスのバックで流れていたような蓄音機タッチの選曲なんですよ。

　音楽史には詳しくないので下手なことは書けませんが、あれ、1920年〜35年頃のビッグバンドジャズのテイストなのではないでしょうか。チャップリンのサイレント映画のバックで流してるのもその辺かと。最近ではフランスのアニメ『ベルヴィル・ランデブー』がそんな雰囲気でしたね。
　いうなれば、冒頭のニュースフィルムに出てくる1930年代の雰囲気がず〜〜っと続いてるんです。あの雰囲気もすごく上手に再現されてますよ。『ニュー・シネマ・パラダイス』なんか観てるとちらっと登場しますね。
　あんまり上手なのでそれだけで笑ってしまいました。

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　だけど、原題の『UP』はいかにも意味深。
　ピクサーは毎回そうですが、派手なシーン、華やかな宣伝文句に気を取られていると実はとんでもない部分を見逃しているような気がします。

　実際に地上のあらゆるしがらみを文字通り引きちぎって家が空へと舞い上がるという意味での『UP』であることはもちろんですが、永年の連れ合いを失って絶望している老人がもういちど夢に希望を見出す『UP』、そして忘れてはならないもうひとりの魅力ある主人公、ラッセル少年がひとつ上のステージへの成長を描くという意味の『UP』。

『シネマ・パラダイス』でもそうですが、ヘミングウェイの『老人と海』を引き合いに出すまでもなく、昔から老人と少年というコンビネーションは永遠の相棒なんですね。そうそう、『グラン・トリノ』もそう。
　でもここで肝心なのは、“ヨボヨボで他者に同情されている哀れな年寄り”と“阿呆なクセに無鉄砲で生意気なクソガキ”…じゃだめなんです。少年は老人をちゃんと尊敬した上で、老人は少年の無知を容認した上で、“歳は食ってるが知恵者でタフネスなクソジジイ”と“どうにも頼りないがやる気と夢だけは大人以上のチビ助”として、互いに信頼と友情を抱いているところにこそ美しさがある。

　だけどみっつのUPのうち、判りにくいのがラッセル君の成長話かもしれません。
　あれだけ喋るのにちらっとしか出てこない重要な台詞を繋いでみると解るのが、どうやら母親は後妻さんで、しかも今は父親は亡くなってる事。
　つまり今の母親と彼に血のつながりはない。こういう作品にしては随分複雑な設定です。

　だからでしょうか、とにかく礼儀正しくて素直なんですが、“いい子”であることが仕事や義務でやってるように見える。そんな彼の当面の目標は“老人に親切にする”というもの。
　でもそれは親切心から自然発生するものではなく、まるでRPGのクエストみたいなもののよう。自分の意思によるものではなく、お座なりのルーチンワーク。
　この辺、実は痛烈な皮肉をはらんでるんじゃないでしょうか。
　さらに他の例として、老人ホームからやってくるヘルパーたちの言動、おじいさんを裁判所から送り届けてきた婦人警官。みな、“お仕事”で“親切”を切り売りしてるという表現ですね。しかしボーイ・スカウトの事はよく知りませんが、もしかしてこの作品では偽善の象徴として描いてあるんでしょうかね。

　クライマックスでずっとフレデリクソン氏の言う事を聞いてきた彼が「もう、こんなもん要らない」ってバッジだらけの帯を投げ捨てますね。それまでは彼、のこり一個のバッジ欲しさにずっとフレデリクソン氏についていってたってことでもあるけど、逆に言えば“いい子”であることがきっと彼が継母にできる唯一の親孝行だと思っていた事であり、足かせにもなってたんでしょうね。

　最後にバッジを受けるシーンで、呼び方こそ名前でですが、フレデリクソン氏に嬉しそうに継母を紹介しますね。ほんとはあそこも「ほら、あれがママだよ」と言って欲しかったんですけど、彼のややこしい家庭事情が説明不足でお客さんには解らないと思ったのかしら。
　それとも、あくまで母親ではなく、個人と個人としての繋がりが深まったという程度なのか。

　彼らと対極にあるのが自分に正直に生きてきた探検家、チャールズ・マンツ。
　最後の方は完全に悪役みたいに描かれてますが、じつはすごく気の毒な人です。死なねばならないほどの悪党なのか、ということ。

　じつは私がこの作品で一番ひっかかるのがここ。

　たしかに飛行船での食事会のあと、彼の探検を邪魔しに来た人を次々と殺してきたかのような小芝居してますが、たんなる脅しで劇中ではほんとにそうなのかどうかまでは判らない。
　夢の実現を阻まれた怒りのあまりフレデリクソンとラッセルを殺そうとまでしますが、ほんとにそこまでやる悪党として表現したのは作品のテーマとして正解なのかしら…との矛盾も感じたんです。
　理屈で考えた場合でも、名うての冒険家で、嘘か誠かひげ剃りでなんだったかの猛獣を倒したとかなんとか自慢してましたしね、いくらフレデリクソン氏よりウンと（少なくとも四半世紀は余分に生きてる筈）年寄りでも、ホンキならもっと簡単に殺せるでしょう。

　想い出の郵便ポストを壊されて、杖で人を叩いてケガさせたのはMr.フレデリクソン。

　あなた、「あらっ！」と思いませんでしたか。たんこぶとかは別として、これまでピクサーでリアルに流血まで描くなんて、なかったでしょう。
　ひょっとして、ここにこの作品のもうひとつのテーマが隠れているのでは…なんて思ったんですよ。

　これは対照的なふたりの孤独な老人の物語でもある。一度は夢を失ったフレデリクソン。かたや夢だけを見続けてきたマンツ。
　ふたりとも守るものは自分の身ではなく夢だった訳ですが、結果は自己防衛のための過剰反応。しかも、マンツの方は悲惨な最期を遂げてしまう。
　殺して持って帰ろうとしたワケじゃないし、あれだけの犬たちをちゃんとしつけて育てていた彼、名誉欲だけで無情な行動をとっていたとするには少々根拠不足。
　たしかに拉致された動物の末路は想像に難くないですが、彼が若い頃ならともかく、過剰な程に動物愛護を掲げる近代アメリカならそれほどは…？

　むしろマンツの過失とはいえ、少年の前で人ひとりを死なせてしまったフレデリクソン氏、オマケにマンツの飛行船をちゃっかりせしめてしまったようにも見えるラストシーン。
　車の色を数えるラッセルとのゲームはほのぼのしてるんですが、なんだか「これで本当によかったの？」と問いかけているような矛盾点がチラホラ見え隠れするんです。
　しかも結局、フレデリクソンは奥さんと見続けた夢は叶わず、心の英雄にはガッカリさせられた上に当人を死なせてしまった。
　マンツはマンツで最後の最後に自分のファンに夢を奪われた。

　なんて皮肉な構図なんでしょうか。ご覧になった方で「後味がよくない」と仰る方が多かったのはこういうことではありませんでしたか？
　ほんとはその辺もつっこんで描きたかったけど、ディズニーの配給だし、もしかしたら脚本の段階でオトナの事情があったのかもしれないな…なんて、いけませんね、また掘り下げすぎの、穿ちすぎた見方ですね。

　後半のフレデリクソン氏は、達者なこと達者なこと、走る、走る。
　これもちょっと首をかしげた人、多くないかしら。
　たしかに痛快かも知れませんが、そこはそれ、ずっとリアルな描写で面白みを出してきたのにここに至ってアレはやりすぎですわね。
　むしろ、はるかに年上の筈のチャールズ・マンツがあんなところでピンシャンしていた理由…たとえば実は犬を食べてたからとか…それは黒い冗句ですけど、実はあの滝に磁力とか不思議な力があって、それが若さの秘密…とか？で、それをフレデリクソンもお相伴したから彼にも作用した…みたいな、納得できる理屈は欲しかったですね。もしそういうのがアリならドンピシャで家があそこにたどり着いた事も説明できると思うんですが。

　まあ私が言うと理屈っぽすぎますが、ピクサーなら冒頭のようにうまく演技や演出で観客にも理解させてくれただろうと思うとそこらへんが実に残念です。

　とかいいながら、なんやかやで私けっこう泣かせて貰いました。特に王冠バッジの授与、そして敬礼！冒頭のカール少年のように、思わず画面に向かって敬礼しましたよ。

　それにしても、ああ、ネタバレを気にせずに記事を書くのってなんて快適なんでしょうね！！

　ではまた、お逢いしましょうね。

画像はすべて米Appleのトレイラーサイトから拝借しております。

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『カールじいさんの空飛ぶ家』夢の映像化はリアリズムから

よろ川長TOM — 2009-12-01T01:30:00+09:00

　はい、みなさんこんばんわ。ひさびさに新作を観ました。なかなかの傑作です。今風に3Dで制作されてますが、平面でご覧になってもなんら評価に変わりはないでしょう。
　そういう意味では、むしろDVDが発売になって、ご家庭でご覧になった方がこの映画の真価が解るというものです。
　手前味噌ですが『新・よろ川長TOMのオススメ座CINEMA』の最初の記事がこれになるわけで、今回はちょっと変わった展開でお話しさせてくださいね。
　つまり、今回は従来のオヤクソク通りに映画をご覧でない方のためのネタバレなし、そして公開日の12月5日には、ご覧になった方のための深い深い【鑑賞後ver.】解説をアップします。

　いえね、それだけこの作品はサラッと流すには惜しい内容が詰まってるって事なんです。
　よろしければ映画をご覧になった前後にそれぞれお読みくださいね。

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　ピクサー作品の魅力は今さら何をかいわんやな所がありますが、言わなければブログの意味がありませんわね。あなた、ピクサーお好きですね？ユーモアのあるところ？あたたかな人間味のある脚本？それとも私みたいにアメコミタッチが苦手な日本人にも馴染みやすい嫌味のないキャラクターたち？

　なるほど、なるほど。───私はね、動きなんです。ウォルト・ディズニーが、そしてディズニーの亡霊から逃れる事のできない現代アメリカのアニメーター達がついに為し得なかった、デフォルメされているのに、実際よりもリアルな動きがピクサーにあるからです。

　何ゆうてんねん、ディズニーは神様、って仰る方は多いでしょう。でも冷静に観れば見る程、ミッキーマウスはもちろん、白雪姫もシンデレラもその足はちっとも地に着いていない。
　まるで体重がないみたいに、ぷーかぷか、浮いているんですね。
　CGには実際の人間の動きをPCに取り込むためのモーションキャプチャーという技法があるんですが、ディズニーもまず俳優に演技させたフィルムを下絵にしてアニメーションに描き起こしていました。

　ところがこの技法がアダになってしまって、できあがったアニメはかえって不自然に。
　同じような違和感が残るものにCG処理で動かすメカニックがあります。どんなにリアルな表面処理をしても、細かく動かしても“らしく”ならないんですね。ヘンになめらかで、昔で言う“ロボットみたい”な動きになる。
　メカに関しては、これをおそらく最初に解決して見せたのは『オネアミスの翼』ではなかったかと思います。かの作品の航空機が登場するシーンでは、CGを下絵として、人間の手で改めて従来の手描きアニメとして作った事で、デッサン狂いのない、しかしエンジンの鼓動すら伝わってくる迫力の映像を描き出す事に成功しました。

　解決の糸口はやはりアナログにあったんですね。

　この家の飛翔のシーンも、家だけだとまるでスターウォーズの戦艦みたいに空中を滑るように動くだけなんですが、上空の無数の風船がそれぞれゆらゆら個別に動いている上に、ちゃんと床から土や埃がボロボロ落ちてくるので躍動感が自然になっているんです。アッという間のシーンですが、あっちキョロキョロ、こっちチラチラとよおく、ご覧くださいね。

　この『カールじいさん〜』の主人公はおそらく、70代ってとこでしょうか。
　カールじいさん…というより、劇中ではMr.フレデリクソン、って呼ばれてるんですが、人間、老け込みは下半身から来るんですよ、お若い人たち。私も右の膝を壊してからその事を痛感しました。
　歩くのは辛くないんです。むしろ若い人より早いくらい。でも立ちん坊や、衝撃が大きく掛かる走りなどはかなり辛い。すぐに痛みだし、そのまま立ってられない程の痛み、そしてなんともない方の足はそれを庇うのでそっちも傷める。
　この作品はそうした所まで実に忠実に再現できているんですね。

　一見、わが心の師、淀川長治先生にも似ているMr.フレデリクソン。杖がないと歩くのもおぼつかない。しかもこの杖がへんちくりんなんですが、あとで大活躍します。
　自分の体重が重い、重い。一歩進むのさえ辛い。
　おじいさんが愛用の椅子に座り込む時の芝居が素晴らしいの。これだけの演技、俳優に老け役やらせてどれだけの人ができるかしら。
　そして目線の配り方。いったい、監督や演出担当の人はどんな観察眼をしてるのかしら。とにかくどのカットも顔の肉感と目玉の動きが見事なんです。もう、観れば見る程に感心感動してしまう。

　そして、ピクサー作品の巧さの一つに、小物やエピソードを大切にすることが挙げられます。
　どんなつまらなく見えるものにもちゃんと意味がある。
　21世紀ももうすぐ10年経とうとしている今、誰しもCGにも慣れてしまった感がありますが、マンガやアニメ同様、そこにあるものはどんなに小さなものも、どんなにつまらないものも全て必ず“創らなければならない”のです。
　だから、画面に映るもので偶然のものや意味のないものはひとつとしてない。
　そのことはこしらえているスタッフが誰よりも知っていますね。

　CGオブジェクトはひとつひとつ正確に丁寧に描き、あるべき場所にあるように配置しないと“もの”として絶対に機能しません。だからこそ、愛情がこもるのでしょうね。そして、それをちゃんとくみ取った脚本家が全編を通して布石として活かす術を識っている。
　そしてそのことはキャラクターの動きにも反映されています。

　冒頭、ニュース映画を観ている飛行帽の少年が登場します。画面を懸命に見つめる目。やがて画面の中のヒーローにシンクロしてしまうの。もうね、男の子は痛い程この感覚がわかるの。
　それに続く、彼の夢見心地での帰り道みてるだけで、私はひとり「うまいなあ、うまいなあ」って悦に入ってました。

　その小さなエピソードの積み重ねも、そのあとに展開してゆくお話も、すべて『重力』がキーワードになってます。ご存じの方もおられるでしょうが、この作品の原題は『UP（アップ）』。
　最初ね、めずらしく邦題の方がいいなあ、って思った程でしたが、作品を見終わって、こうして記事にまとめるのに作品の意味を考えて行くと、このタイトルがしっくり来る事に気づきます。

　まあ、その話は次の【鑑賞後ver.】でまたクドクドとお話しさせて戴くとして。

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　予告編でも登場する、無数の美しい風船で空へ舞い上がる家。ああ、何度見てもなんて綺麗なんでしょう。
　いくら小さいとはいえ、屋根裏付きの一軒の家が浮かび上がり、空を横切ってゆくことに感動こそすれ、ンナあほな！と失笑する人はいないでしょう。
　え、あなた、「へっ」と笑ったんですか。それは可哀想に。もっと夢を充電してくださいね。

　だけど実は、いかにこの家が重たいかを描く事で逆に浮遊感を際立たせているんですね。あのラピュタや『未来少年コナン』のギガントと同じ技法です。
　一本一本の古い木材の密度さえも感じさせる重厚感は、CGになった事でひどく軽々しくなった某宇宙戦艦とは対照的。

　まさにこの家の重たい重たい描写こそが先にウダウダ述べた、ピクサーの真骨頂ですね。
　ここでも画面には見えないはずの重力の存在感がじつに大きい。
　老け、は下半身から来ると書きましたが、生き物はすべて重力との戦いで一生を終えるんですね。心臓は重力に逆らって血液を全身に送り続け、行動の全ては重力に支配されてます。
　どんなべっぴんさんもグラマー女優も顔のお肉が下がって、おっぱいも下がって…あー、オホン。

　とにかく動きの全て、ものの全てにきちんと重力の支配がある。

　実写ならそんなこと考えなくても、落ちなくていいものまで勝手に何もかも落ちるわけですが、CGは落とさない限り落ちることはない。
　おじいさんが力を抜いた時の、全身のたるみ具合を見て感動する私もヘンですが、同じCGの舞台裏である、無数の風船がそれぞれ個別に動いている事を感心するより、やはりこの作品の本当の凄みである、もっと地道で難度の高い技術と繊細なアニメーション感覚の鋭敏さこそをぜひ知っておいて戴きたいと思うのです。

　いい作品は、対比的な描写も巧いですね。

　キーワードが重力だからなのか、もうひとりの主役であるラッセル少年はまんまるおデブ。だけどくるくる、くるくる動く。若くて、夢いっぱいで、元気で。まさにおじいさんと対極にある存在。
　一見脳天気で素直な少年ですが、実は内面的にかなり複雑な事情があるらしいことをサラッと台詞で流しますね。
　なのにそれがまた、ちゃんと布石になってお話にも活きてくる。
　ピクサーという会社はアニメーターだけでなく、まさに一丸となってそうしたお話作りのプロが集まった会社だと言えます。
　ハリウッドは昨年、脚本家組合のストライキでその人材層の薄さを露呈してしまいましたが、ピクサーに関してはそういう事もなさそう。

　作品への期待を裏切らず、少なくとも何か学ばせてくれて、さらに次回作に胸が膨らむ。
　ピクサーはオリジナル作品ばかりですが、原作ありではどんな手腕を見せてくれるのかというのも気になる所です。

　あ、そうそう。『Mr.インクレディブル』や『WALL-E』でもそうでしたが、これまでのピクサー作品同様、本編には出てこない予告編のためだけの楽しいムービーがあるんですよ。
　できるだけ本編は“その時に”楽しんでビックリしてね、という気持ちのあらわれだというのがそんな所からも判るじゃないですか。
　恋人へのビッグプレゼントとか、誕生日のサプライズパーティで、その場にゆくまで絶対目を開けないでねと目隠しで連れて行くあの気持ちです。
　ましてや、映画本編を見る前にメイキング版を観るなんて無粋なマネだけは避けたいものですが、この三本のトレイラーは必見です。どれも英語版ですが画面だけで充分楽しめます。
　これからこの作品をご覧になる方は、むしろこれだけはご覧になっていただきたい。

　■『ファーストエイド編（上の画像）』　　■『スナイプ捕獲罠編』

　■『野生の呼び声編』

　では、この次は12月5日UPの【鑑賞後ver.】でまた、お逢いしましょうね。

画像はすべて米Appleのトレイラーサイトから拝借しております。

＊この記事は従来通りコメントもトラックバックもお受けいたします。

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『いつも二人で』オードリーの素敵な愛のロードムービー。

よろ川長TOM — 2009-11-30T19:06:00+09:00

　今や希少価値になってしまったようなクラシック・ムービー…といっても私が幼い頃とかそれよりちょっと前なんで半世紀前くらいなんでワタシ的にはそれほどクラシックとは思っていないのですが……いずれにせよ、もうめったなことではお目にかかれなくなってしまった名作のなんと多いこと。

　その頃の作品たちの数少ない上映の場となったNHK-BS2の衛星映画劇場。

　どうやら2009年の初夏はオードリーの作品特集をやってたようで、毎月ちょこっとずつ順番に名作が掛かってましたね。で、2009年6月は2日の『麗しのサブリナ』3日の『いつも二人で』4日の『許されざる者』を放映してました。
　ということでこのうち『いつも二人で』をご紹介しましょうね。

　原題は『TWO FOR THE ROAD』。これもなかなか粋なタイトルです。

　素敵でオシャレな大人の恋愛映画、恋人がいる人も、いない人も、…いなくなっちゃった人も？
　ぜひぜひ、ゆったりと楽しんでご覧戴きたい作品です。

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　高そうな車の後部座席によそよそしく坐っている中年夫婦。クチもきかない二人はどこか意味深な空気は重苦しい…そんな陰気な陰気なオープニングなんですね、この映画。

　可愛らしい可愛らしいピアノの旋律で始まり、そこへ弦楽器が加わってどこか切なくしっとりとしてくる主題曲は名匠ヘンリー・マンシーニの手によるもの。
　多くの恋愛映画の主題歌を手がけたこの人、オードリー・ヘプバーン主演の『ティファニーで朝食を』『シャレード』でイッキに世界メジャーになった感がありますが、誰もが知っている“子象の行進”という可愛らしくユーモラスなあの曲もこの方なんですよ。同名の映画の主題曲だったんですね。
　私この方が大好きで、私の好きな作品の多くでも音楽を担当されています。
　『いつも二人で』では、まさにこの映画の物語そのものを表す構成になってまして、実に効果的に使われています。そのうちヘンリー・マンシーニだけを取り上げてみようと思います。

　さてお話は、結婚12年目を迎えるジョアンナとマークの夫婦。
　すでに冷め切った間柄の二人は、離婚まで秒読み状態といったところ。それなりに社会的地位を確立しているらしく、むしろそのためにややこしいことにもなりそうな予感。
　でも、12年前はこうじゃなかった。
　ふたりは熱い熱い想いの中にあったはず───
　走る車からふと見えた若いカップルの姿。おカネはなかったけど素晴らしいものに包まれていた。それはかつての二人の姿。

　なんと！シーンはそのまま、当時の二人の姿に切り替わるのです。
　じつはこの作品、こうして12年間の彼らの歩みをすれ違い交差する車になぞらえてシーンを切り替えてゆくんですね。
　当時もこの手法は斬新と話題を呼んだようですが、さらに話題を呼んだのはオードリーがこの頃実生活でも本当に夫メル・ファーラーとの離婚が取り沙汰されていたこともあったそうで。
　それはともかく、一種のロードムービーになっているところが面白い。
　ただし、私が初めてこの作品を観た時は小学生だったのでこの演出は皆目理解できませんでしたね～。まあ大人の恋の話ですから尚更なんですが。
　そして彼らがその都度乗っているクルマがそのまま彼らの経済的背景を象徴しているので、最初はヒッチハイクなんですね。そして冒頭に出てきたように行き着いた現在がリムジン（でいいのでしょうか）というわけです。

　あいにく私は門外漢なので、あ、さっきと違うな程度しか認識できないんですが、『グラン・トリノ』のように世に車好きがウーンとうなる映画は多々ありますが、この作品もそっちでもウーンとうなるかも？

　そうして切り返し、折り重ねるようにしながら二人の人生を四季折々の風景と共に描いてゆくのですが、監督のスタンリー・ドーネンという人、『雨に唄えば』『パリの恋人』『シャレード』などで知られるように焦らすのが上手いんですね。で、ちょっとイケズな持って行き方をする。
　まだ若い、新婚ほやほやの二人はどういうわけかけったいな子連れの中年夫婦と旅を共にするハメになるんですが、この中年カップルに8歳くらいの娘がついてきとる。これがまあ憎ったらしいのなんの。
　昔っから感心するんですが、アメリカの映画に出てくる悪ガキの憎たらしさは“ハンパじゃない”ですよね。しかも大人はひたすら我慢する。これが昔の邦画なら、おっちゃん、おばちゃんに必ずバッシーンとシバかれるシーンになりますし、『ニュー・シネマ・パラダイス』のトト君なんか、そこまで叩かんでもええやんかと思うほどお母ちゃんにシバかれてます。

　ちなみに吹き替え放送の折にはこの小娘を『アルプスの少女ハイジ』の杉山佳寿子さんが演じられていました。

　ジョアンナ役のオードリーは今さら説明する必要はありませんが、旦那役、マークを演じているアルバート・フィニーはご存じない若い方も多いでしょう。
　私が大好きな作品『クリスマス・キャロル』でスクルージを20代から70代？まで見事に演じたイギリスのシェークスピア俳優ですが、むしろ『アニー』の大富豪ウォーバックスといった方がお分かりでしょうか。
　ほかにも『オリエント急行殺人事件』で名探偵ポアロを、最近作では『オーシャンズ12』でヴァン・カッセルの泥棒のお師匠さんを演ってたのがこの人です。
　さらに『コーパス・ブライド』でヴィクトリア（人間のほうのヒロインね）の父親を演じていたそうですが、声ではさすがに判りませんでした。また御年73歳で『ボーン・アルティメイタム』にも出演していたそうなのですが未見なのでぜひ見つけてみたいと思います。

　そうそう、例のうっとおしい中年夫婦のオバサンの方。うるさくて恐くてぜんぜん雰囲気が違いますが、なんとジャクリーン・ビセットなんですねえ。今も世界的女優を起用するシャンプー・リンスの『Lux』のCMで、私くらいの世代なら毎日のように彼女の艶姿を見ていたはずですが、なんと駆け出し同然の彼女は当時22歳。当時37歳のオードリーよりウントコ老けたオバハンの役をしていたとは、さすが後の大女優は違いますねえ。

　さてさて。紆余曲折とはまさにこの作品を表す言葉でしょうね。
　冷え切った夫婦のこの先は？ヘンリー・マンシーニの名曲に乗せて素敵なエンディングに浸ってくださいね。

　
　では、また、お逢いしましょうね。

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『ロボッツ』これぞハリウッドならではのアニメ！

よろ川長TOM — 2009-11-30T00:40:00+09:00

　はい、みなさんこんにちわ。

　私ね、正直言ってアメリカのアニメは観ないんですよ。特にディズニー系。あのうにょうにょっとした動きが苦手なんです。
　でもこの作品はアメリカアニメのいいところと可能性を見せてくれました。子ども向けのCartoonではなく、すばらしい“映画作品”でしたね。

　
　アニメーション映画は世界中にありますが、大別して二種類だと思うのです。
　ひとつはチェコやもとソ連系に代表される“絵（または無生物）が動く”という、アニメーションの語源そのままに、映像芸術として育まれてきたもの。
　そしてもうひとつはウォルト・ディズニーが生み出したといえる、長編アニメーション映画のジャンル。アニメである前にまず物語があり、音楽と映像の両方を楽しむという映画型のエンターテインメントとして発展してきたもの。

　しかしウォルト・ディズニーが生み出した数々の作品のほとんどは、童話やファンタジーなど「子供たちに夢を与えたい」という彼のポリシーに沿ったものを題材にしていたので、皮肉にもいつしか“アニメーションは子供のもの”というような認識が植え付けられてしまったのも事実です。
　スピルバーグの『1941』では、自分の趣味を自虐的に皮肉っているのですが、劇場を借り切った米軍のいかめしい司令官がナイショで『ダンボ』を観て号泣するシーンは、むしろ“大人げない”笑えるシーンとして描かれていますね。

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　今でこそジャパニメーションと呼ばれるほど高度に進化した日本のアニメも同じで、かつて手塚治虫氏が劇場用長編アニメーション『千夜一夜物語』でアニメ+ドラマで“アニメラマ”という新語を創ってまで、“アニメーションは子供のもの”という固定概念を払拭しようとしたにもかかわらず、誰が観ても楽しめる映画作品として世界に認められるまで30年を待つことになりました。
　かつて『母をたずねて三千里』などで知られる日本アニメーションが『アンネの日記』を制作したいと当時ご存命だったアンネの父に打診したところ、てっきりアメリカ流の“お笑いもの”だと勘違いした彼が激怒した、という逸話もあるほどにアニメーションの文化的地位は低かったわけです。

　同時にヨーロッパやアジア圏では、日本が輸出してきたテレビアニメのおかげでむしろ日本よりも先にジャパニメーションが認知され、作品として高く評価されるようになったばかりか、ジャパニメーションに刺激された若い作家たちが育っているフランスや韓国では国を挙げて彼らを応援していると聞きます。

　逆に、アメリカではディズニーの亡霊に祟られて…とでも言うべきか、いつまで経っても童話や民話からしか題材をとれず、ミュージカル仕立てで、話をして二本脚で歩く動物が必ず出て…と似たような作品しか生まれないまま21世紀になるのかと思っていたところに彗星のごとく現れたのが『トイ・ストーリー』をひっさげたピクサー・アニメーション・スタジオだったのです。
　以来、特撮系で進化を続けるCGの技術と並行して、アメリカのフルCGアニメは傑作を生み出してきました。
　面白いのはCGアニメは今のところ『ポーラー・エクスプレス』を除けばみなオリジナルストーリー。たしかに日本のようにターゲットとなる中心は、青年向けというよりはジュニア対象なのは否めませんが、それでもオトナが大人と一緒に行ってもヘンでない作品が次々と作られているのはご存じの通り。

　さて、表題の『ロボッツ』。
　観るまではやはりありきたりのアメリカ流アニメだろうとたかをくくってました。
　いや、実際のところ、お話はすごく単純なんですね。
　田舎町で生まれた主人公が夢を育みながら青年になって志を胸に都会へ出て行き、人とのふれあいや悪党との対決を経て一人前になって故郷に錦を飾る。
　これって、かつて40～50年代のハリウッド映画の定番なんですね。特にミュージカルに多いパターンで、古くはダニー・ケイの『アンデルセン』なんかがまさにコレ。

　ところがこの映画、何がスゴイといってとにかく動く、動く。
　最初にお話しした“無生物が動く”アニメの原点に通じる楽しさがどっさりと詰まっているんです。
　ロボットが主人公ですが、ハイテクなど皆目無縁で、むしろ作品にあふれているのはブリキのオモチャなどのカラクリの楽しさ。描かれた街の隅々まで、とにかく何か動く仕掛けがしてある。
　べつにそんな部品いらんやろ、と思うようなものまでがちゃんと役目を持って描かれているのが実にほほえましい。
　アニメの作り方としては信じられないほど無駄だらけの動きや作り込みなのに、観ているとなにもかもが愛おしくて懐かしく感じられるのです。

　そしてそれらに実在感を与えているのが、キャラクターたちの素材感。

　主人公のロドニイの微妙なペールブルーや友人たちの赤や黄色は、まさに50年代によく使われたペンキの色。彼の友人たちはポンコツが多いので錆も出ているのですが、これがまたほんとにブリキの錆そのもの。
　またスチルではむしろグロテスクだったキャラクターが、いざ動いてみると案外かわいいんですね。
　筆者はフェンダーの妹がお気に入りになりました。

　アメリカのアニメは日本のようにアニメーターが空想力で描くのではなく、実際に人間が芝居をしたものを撮影してからそれをもとに絵を起こすというたいへん手間と費用のかさむ手法を半世紀も前から伝統的に使い、CGでも同じ原理を使っているのですが、これが皮肉なことに歩いていても重量感がなく、どんな動きも嘘くさくしか描けないのです。
　これは最新作に当たる『ポーラーエクスプレス』でもそうです。
　あれほど素晴らしい技術を投入していても、できあがってみればそれこそみんなアンドロイドのように見えるのです。

　ところが『ロボッツ』ではこの違和感を逆手に取ることで、むしろ機械っぽい動きになり、さらには主人公たちが異なる素材ごとに重さや堅さが異なるというのがちゃんと動きで伝わってくるのです。たいした進歩です。
　これは技術面もさることながら、スタッフたちが本当にブリキや金属などのガラクタが大好きで、すぐれた観察力と愛情を持って描かないとこうはいかないでしょう。

　さあそして筆者が「これは負けた。絶対日本ではマネできない」と舌を巻いたのが数多く出てくるダンスシーン。
　最初は都会へ出てきたロドニイが道をたずねるロボットがいるのですが、これがいわゆる“ロボットダンス”を踊っているんですね。
　ブレイクダンスが生まれてからもう随分経ちますが、よく考えたらロボットが踊るロボットダンスなんてこれが初めてではないでしょうか。これがなんとも感心して見とれるほど巧くて可笑しい。
　ブリキのオモチャへの憧憬と同時に「うっわ～、このスタッフ、ほんまに映画が、ミュージカルが好きやねんなあ～！」と覗わせてくれるあまりにも有名なそのシーンも出てきますが、あえてパロディと呼ばずにオマージュと呼ばせていただきます。
　そして大団円ラストシーンでの群舞はさすがブロードウェイ仕込み、観ていたら思わずこちらまで飛び入り参加したくなるほどの楽しさ。

　もちろん、そのダンスシーンでさえも人間がマネできないカラクリの動きだからこそ余計に楽しい。

　幼い頃、ゼンマイで動く単純なオモチャなのに、長い時間飽きることなく見つめていたことはありませんか？止まってしまっても、いつまでもいつまでも動いていてほしいから、またねじを巻く。また、その動きを見つめている。
　いつまでも観ていて飽きない、何度でも観てみたい。
　この作品はそんな楽しさがいっぱい詰まっています。

　さて冒頭で筆者は「子ども向けのCartoonではなく、すばらしい“映画作品”でした」てなことを書いたものの、実際に『ロボッツ』は子ども向け、または子供のいる家族向け映画というカテゴリーです。

　そう聞いてしまうと、オトナはたいてい「あ、子ども向けか」と思ってナメてかかるのです。しかし実はここが大きな勘違いで、“子ども向け”イコール“幼稚な作品”ではないということ。
　“子供の目線で考える”ことと“子供のレベルに合わせる”ことは根底から違うはずなのですが、往々にして子供たちに対して最初から“子ども向け”として作品を作るということが多いのではないでしょうか？
　これは結局子供のレベルをナメてかかっていて、要するに子供の人格を認めていないことではないかと。

　子供にかぎらず、人に夢を与える、ということはすなわち作り手がまず夢を見ないといけない。
　その点『ロボッツ』は間違いなく作り手が夢を見て楽しんで作ったのです。そんな作品は、誰が観ても楽しいのはあたりまえですね。
　単純でピュア。だからこそ楽しく、美しい。主人公ロドニイのまんまなこの作品なのです。

　筆者は字幕版で観ました。日本語吹き替え版はSMAPのクサナギくんが演じているそうですが、本家のユアン・マクレガーの声が彼によく似ているのにはびっくり。
　相棒のフェンダーはなんとロビン・ウィリアムス。
　彼のぶっ壊れぶりがなんとも楽しいので、ぜひ字幕版でもご覧いただきたい。

　さて。今回も長くなりました。
　どうも観ていて嬉しくなる作品には饒舌になってしまいますね。

◆『ロボッツ』公式サイト
◆『ロボッツ』トレイラー

　では、また、お逢いしましょうね。

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＊以下は旧『よろ川長TOMのオススメ座CINEMA』時代に戴いたコメントの再録です。

いつも熱いコメント、ほんとに楽しみです。
もしよろしければリンクさせていただいていいですか？
たくさん読ませていただきたいので・・
よろしくお願いいたします。

Posted by:foo 　at 2005年09月22日(木)　09:59

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fooさん、かさねがさねトラバ＆コメントありがとうございました～！
もう、こんなブログでよろしければ、ぢゃんぢゃんリンクしてください。
嬉しいお言葉、めちゃくちゃはげみになります。
がんばって楽しくてお役に立つ解説を目指しますので今後ともよろしくお願いいたします。

Posted by:よろ川長TOM 　at 2005年09月22日(木)　11:38